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甘当摆渡人

——访我国著名国画家陈十田
作者:   时间:2016-09-02   来源:克拉玛依日报

《湖山游心》

《寄心旷远》

《陋室铭诗》

    陈十田

    1975年生,四川大竹人,定居北京,吴悦石先生入室弟子。中国艺术研究院艺术创作院研究员,中国美术家协会会员,中国书法家协会会员,北京它山书院中国画研修班导师。其作品被多家美术馆、博物馆和私人收藏,多家艺术报刊以及电视台专题采访介绍。出版有:《墨档案》《一生是土》《行中问道》《陈十田书画印》《山水百扇》《陈十田书画小品集》等。

    本报记者 张冰

    8月22日,北京它山书院(新疆克拉玛依)中国画专修班的首批学员顺利结业。著名书画家、中国艺术研究院特聘研究员、中国美术家协会会员、中国书法家协会会员陈十田先生仅用了7天时间,就将最正统的中国画技法传授给了15位零基础的学员,并带领他们进入了中国画的大门。

    对于书画的技法,陈十田是如何理解的?自古传统技艺秘不示人,他为什么愿意“捅破窗户纸”,将自己的技艺倾囊相授?本报记者对陈十田先生进行了专访。

    1、记者:您如何看待书画创作与文化修养的关系?

    陈十田:书画创作和文化修养是相辅相成、相互温养的关系。没有传统文化作为根基的书画艺术只是单纯的技巧而已。书画技艺到了一定的程度,就需要靠技术以外的诸多艺术门类,如诗词、音乐、戏曲、中医、太极等作为滋养,它们都会对书画产生促进作用。一个人的综合文化素养越高,他的书画水平就进步越快。

    中国书画都是在传统文化的大背景下产生的,“书”和“画”不是指单纯的技巧,而是指文化,即人生经历、学识修养、游历经验等。一个人走过的路、读过的书、交往过的人,都会融入到书画之中。中国画画的不是技术,而是一个人的所思所想,传达的是丰富的文化内涵,这样表达出来的物象才会千变万化。

    值得注意的是,中国绘画不太讲究天赋之说,而是讲究爱好、方法和勤奋。爱好是第一老师,有了爱好,才会产生“信”的力量。其次是方法,只要方法正确,就会不走弯路,事半功倍。最后是勤奋,天道酬勤,只要肯学,不断努力,进步就会比别人快,这样就能有大成。

    另外,文化的概念并不等同于文凭,文化的包容性很强。比如一些乡村的老者,虽然他们可能没上过学,但是这些老人却很有文化修养。这里的文化修养就是指老人的人生经历,接人待物,包括家教传统、忠孝礼义等等。从我们生下来到离开人世,这个过程中都会形成不同的人生历程,乃至不同的文化素养,这种文化可能有官方文化和民间文化。在过去,官学和民学都是相互交替的,在春秋战国时期,孔子的儒家文化属于民间文化。为了使官方认可,他周游列国被认可后,孔子的儒家文化成了我国代代传承的古代精髓文化之一,所以说文化艺术是要传承的,不是单纯的一技一艺,是综合门类的一个体现。

    2、记者:您如何看待书画创作中尊重传统文化与变法创新的关系?

    陈十田:首先我们要搞明白为什么要继承传统。这是文化内涵的构成所决定的,中国文化一直是在继承中求变化,没有传承就没有革新。文化不像科学,总是在不停地否定中革新。中国文化是有源有脉的,就像有源之水,有根之木一样,如果任意变化,中华民族的文化就荡然无存。当然,这并不是说中国书画不能创新。创新的前提要有强大的传统文化作为背景,如果没有这个背景,就像盖了一座地基不牢的房屋,无论楼层建设得多高,也是不稳固的。

    书画的创新,就是讲在继承传统的基础上求变。传统是法则、是大道,创新要依法而行,行大道、正道,在此基础上,另辟蹊径,也要在道上、在法则内,否则,天马行空,无所由来,如孙猴子般从石头缝蹦出来,无亲无故,就违背了自然法则。

    书画创新是自然而然的事,因为每个人学识修养的不同,人生经历的不同,取法方向的不同,都会在其书画作品中显现出不同的精神面貌来。

    这种每个人的不同,就是每个人的“新”,也就是说,在遵循中国书画传统这个正确的法度下,每个人都能做到“新”。比如在北方生活过的人,对北方苍凉博大的美深有感触,那么他下笔就会有铮铮铁骨。如果生活在江南,是小桥流水、烟雨人家,那他表现出的就是温文尔雅。这就是不同的文化、不同的传统、不同的生活背景下产生的不同的面貌。也就是说,传统是“水”,我们要把传统之“水”吸收到自己的身体里,而创新,就是不同的容器所展示出来的外在形式。可能我是盘子,有的人是杯子,有的人是碗,但容器里的内容都是一样的传统之“水”,有了传统做基础,创新就会游刃有余。我们强调画画要在继承中创新,继承的是传统之源,创新的是思想之流,即把自己的“心”放进去,每个人的“心”都不一样,那就是创新。

    3、记者:如何看待发扬传统与借鉴西方艺术的关系?

    陈十田:中西方文化形成的背景不同,所以在艺术的审美观和意识形态都不一样。中国文化艺术表达的是一种自然与人的天人和合之美,是以儒释道为文化背景的,中国文化是内敛的、包容的。中国艺术更多的是表达个人的思想情感和文化内涵,东西方艺术可以从思想上去借鉴,在技法上不太好融合。

    晚清以来,西学东渐。那时候我们积贫积弱,国家为了强大,无论政治、科学、经济、文化、艺术不分优劣全盘借鉴、吸收。我们学习了西方的先进文化、科学等诸多门类,为当时经济的发展做出了贡献,同时对我们的文化也是一种破坏。中国文化本身是不能去融合的,比如书法,我们不可能去把汉字改造成拉丁文、阿拉伯文,我们的文化传统决定了我们的汉字必须一笔一划地写。我们的绘画形态是用毛笔、墨、和宣纸,以诗意、画意表达的才是中国画,要是用油彩、排笔、素描那中国画的性质就变了,就不姓“中”了。人们老说“越是民族的越是世界的”。所以,坚持民族特色尤为重要。

    西方艺术先进的哲学思想是可以适当借鉴的。现当代人物画就受到了西方艺术的影响,近一百年我们都借鉴了西方美术的造型观,将其用在了美术教育上。尤其以素描为一切造型的训练手段,对我们的美术教育影响甚深。

    西方艺术讲究造型准确,尤其是现在画大型的历史人物题材,我们常常要借鉴西方艺术的造型观,力求准确、逼真、生动。但是并不是说这样就好,我们早在唐宋时期,人物画就非常细腻逼真,还不仅仅是像,而是形神兼备。西方的评审标准没有形神兼备一说,更多的强调的是惟妙惟肖,但是东方文化艺术要把形和神合二为一。

    从这可以看出,东西方文化在技法和审美上是有区别的。中国画的审美必须符合“气韵生动”之美,也就是不仅把看得见的画出来,还要把看不见的也要画出来。“气韵生动”在中国画里是看不见摸不着的,但是确实存在,存在的就不能否定。就好比画水,齐白石画了一条鱼,鱼下不画一根线条,但是别人看了就像是鱼在水中游弋。老子在《道德经》中讲到“形而上者为之道,形而下者为器”,看不见的“气”就是“道”,无处不在。

《有余》

    我们国画就是要用看得见的“技”,表现出看不见的“道”,而西方绘画基本都是画看得见的东西、真实存在的东西。另外中国人非常讲究画品,见画如见人。这样来看,西方是以状物为目的,我们除了状物以外还要传情达意,还要感化人、教化人。

    4、记者:如何看待书法与绘画的关系?

    陈十田:书法和绘画的工具是相同的,两者的起源也基本上是并驾齐驱。先人创立文字的时候就是在象形的手法上做文章,书即是画,画即是书。后来,绘画成为了一种艺术形态,但是他的用笔还是毛笔,这样就用书法的笔去画,用画意的手法来表现书法。

    书法与绘画的关系,早在元代赵孟頫就提出来了,其中有一句四言诗:“石如飞白木如籀,写竹还于八法通。若也有人能会此,方知书画本来同”。延续到唐宋元明清,都是书画相同,直到近现代,才会产生了以素描的形式来代替中国绘画的造型方法。

    过去古人训练绘画,都是先写书法,包括读书、游历、修身养性等。所以元代大画家倪瓒讲,他画画就是逸笔草草,这个逸笔草草,不是说潦草,而是在闲情逸致的情况下,表达出一种思想感情、文化内涵。

    到了宋、元时代,就有了文人画的产生,不仅仅讲究书画同源、书画结合了,还要求诗、书、画、印融汇在一起。宋徽宗赵佶就是杰出的代表人物,他画完工笔画之后,会把自己的诗题上去。他的书法是瘦金体,讲究抑扬顿挫。而他画出来的物象,在笔路、节奏、快慢、用笔的起呈转合等等方面完全和他的书法一致。所以,看他的书法就是看他的画,最后再题上他的诗,就是诗、书、画、印融为一体了,所以古人说“画者文之极也”。

    中国画艺术之高,就是囊括诸多的技法、文化内涵,这些东西融合在一起表达的是一种思想境界,即诗意、画意和禅意。

    5、记者:书画作品的优劣有比较清晰的评判标准吗?是哪几条?

    陈十田:有,中国书画的审美标准和评判标准早在南齐谢赫《古画品录》“绘画六法”中就做出了明确的阐述:一是气韵生动,二是骨法用笔,三是应物象形,四是随类赋色,五是经营位置,六是传移摹写。

    这六法就是中国绘画的最高审美标准,也是绘画的一种方法,是公认的、流传有序的。

    为什么第一条是气韵生动呢?这就上升到了哲学的层面,因为气韵是看不见摸不着的。什么是气韵呢?“气者,心随笔运,取象不惑;韵者,隐迹立形,备仪不俗。”

    第二是骨法用笔,其实就是书法用笔。无笔则无墨,无墨则无笔,有笔有墨,有骨有线,这幅画就能够立得住,经得起读。第三是应物象形,不是说画得非常逼真,而是说画的这个物类在是与非之间,这样就有趣味。

    再来讲讲经营位置。西方只讲构图,但是中国画里包含的就比较广泛,包括长短、方圆、聚散、虚实、前后、高低等等,这不仅仅是构图了,而是一种哲学观念。我们常说一生二、二生三、三生万物,经营位置就是从一到万,从无穷大到无穷小,这种微妙的变化在绘画中乐趣无穷。

    可以说,只有具备了这六法,画才能入品评,画者才能找到知音,才能获得较高的评价,否则大家就会说这画没有味道,不入法。

    6、记者:一个人想要在书画创作上取得较高的成就,您认为必须具备哪几方面的条件?

    陈十田:判断书画上的成就,最重要的是方法要正确,其次是要有深度,有高度。

    具体有以下四个条件。第一是依于法,依于法是指有法可依、有法可循、因法而生。第二是依于师,依于明师,可得正法。师者,能擦亮你的眼睛,拨亮你的心灯,让法装到你的心里,由你的人生经历、学识修养来温养自己,这个法就能在你的心中开花结果。第三是要读书。不是读闲书,而是要读经典和原著,如《四书五经》《十三经》等,这些都是我们文化的源头。过去老人们常讲“半部论语治天下”,可见经典文化的魅力。第四是游历。就是行万里路,和自然万物打交道,让万物来温养你、熏陶你。同时,还要和人打交道,不同的人会和你交流不同的思想,要和人对话,坐而论道才能产生共鸣。

    除了这四点,外部环境同样重要,但外部环境实际上来源于内部环境。内因和外因是相互融合和感应的。你选择走什么样的路,就会选择和什么样的人结伴。这就是佛家讲的种什么因得什么果,绘画也是如此,你种什么技法是“因”,取得的什么成就是“果”。内外兼修,技道双修才能大成。

    7、记者:它山书院以“七天教学法”闻名,你可以谈谈这种教学方法的独到之处吗?

    陈十田:之所以总结出“七天教学法”,是因为目前受西画教学法的影响,真正有志于传统书画的人越来越少了。尤其是以师授徒、口手相传的传统教学法日渐式微。作为传统书画的继承者,我们有责任将这种古法传承下去。它山教学不设教案,以“传统为法,以经典为师”,因人施教,因法施教为教学理念;以“传法不传人,传师不传我”,取法乎上,技道互进为教学宗旨。

    它山教学为了传承和推广中国画法,做到送导师上门授课,坚持低学费,无门槛式招生,免去了书画爱好者们选择导师难、学费多、路途远、时间紧等诸多困难。

    我们设置的7天课程,第一堂课是“建立国画的审美标准”。第一堂课尤为重要,只有让学员明白正确的、高雅的国画审美标准,有此参照物,才能让他明确方向,建立标准,打开心扉。第二堂课是“国画的笔墨法度”,要把正确的“法”告诉学员,让“法”装进他的心里,让“法”为他生起信心,有信心就有力量。接下来就是画法、临摹之法、临创之法、书法、篆刻、诗词等课程,之所以要在7天里加入书法篆刻课,也是要让学员掌握书画同源,诗书画印兼修的技法。

    我们针对零基础的学员专门讲授国画的技与道、神与形,不以画像为目的,而以有法度、有品味为标准,让他们破除畏难情绪,很快上手绘画,学会用笔墨、法度画出自己的人生经历和学识修为。大多数学生第3天就能上手入画,第7天就能独立临摹和临创出作品。

    它山教学为了方便后期的交流学习,我们的专修班成立了网络交流平台。课程结束过后,学生可以随时向导师反映自己的所思所悟,我们也能及时拨乱反正,让学生不停地修正自己,做到结业不结课。

    另外,书院导师以身作则,不图虚名,不好为人师,与学员结成良师益友、亦师亦友的关系,在7天结业时都给全体学员赠送一件书法作品为留念,奖励一名优秀学员一幅画作,真正做到以书画艺术感染人、团结人、教化人。

    7天就学会中国画,俗话说,师傅领进门修行在个人,就是这个道理。师傅把正确的“法”教给学生,学生自己去经营直至开花结果。过去百工技艺都是赖以师傅带徒弟的方式,口手相传,手把手教。但是,受名誉、地位、声望等诸多因素的影响,很多人不愿意把这层窗户纸捅破,而我们就是要短、平、快地让学员接触到正法,走入大门。

    诚然,中国的传统文化艺术自古都是易学难精,入门容易,学精很难,只有师傅把学生带入大门,学生才会发现其中的博大精深和奇妙无穷,触类旁通,渐修顿悟,一法生万法,才能离目标越来越近。若不得法,不能入门,无论再努力,也相当于隔了一座山,再好的修为,也打不开那扇门,终其一生也还在门外徘徊。而我们老师就是甘做一名摆渡人,将学员从此岸带到彼岸。

    (版面绘画作品均为陈十田作)

 

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